声音的思考与呈现——杰弗瑞·斯托莱特的交互电子音乐创新之路

MusicTechnology2018-12-03 15:28:18

作为2016年北京国际电子音乐节的年度作曲家,杰弗瑞·斯托莱特教授已经陪伴北京国际电子音乐节走过了十年历程。从2006年至今,他一直是中国电子音乐学术界教学和研究的跟踪对象, 也是北京国际电子音乐节的重要合作伙伴。近几年来引发许多学者对其作品的关注、分析和研究。他的演出和讲学活动不仅仅局限在中国或亚洲地区,在美国学术界也具有重要分量。


2000年至今,斯托莱特创作了约15部交互电子音乐作品,在北京国际电子音乐节演出过8部作品(见表格1)。在当前的技术环境和技术支持下,他的交互电子音乐创作在声音设计、舞台表演和艺术表达等方面都是在该领域内比较出色和具有代表性的。在遵循交互电子音乐创作的基本规律的同时,同样是使用传感器、数据驱动、数据映射等技术手段,他的音乐风格和交互语言之所以能具有独特的个性和艺术魅力,他的作品之所以能独辟蹊径而有别于他人,源于他对声音的思考呈现。本文将以声音为视角,从三个角度探讨杰弗瑞·斯托莱特教授的交互电子音乐创新之路。


表格1  杰弗瑞·斯托莱特在中国演出过的交互电子音乐作品一览


一、声音呈现的新途径


杰弗瑞·斯托莱特所使用的交互电子音乐系统包含两个部分:


1.负责声音编辑和实时交互的操作平台:以KymaMax/MSP为主。


2.数据驱动控制器(Data-Driven)。数据驱动控制器是斯托莱特创作技术中的一个亮点,它既属于一种控制装置,也属于数字音乐乐器DMIDigital Musical Instruments)的一个类别。斯托莱特密切关注科学技术为音乐创作带来的各种途径与可能性。他认为:声音以何种媒介、何种方式传递非常重要, 当下流行或普及的科技产品是否有机会和可能被改造成乐器


这些乐器是否能够控制声音、是否具备交互的能力是决定作品技术特点的首要前提。他对数据驱动控制器有两个方面的要求:


1.科技产品,其数据流的输出方式和特点可与Max/MSPKyma系统对接。


2.数据精度高、数据稳定性强,数据更新速率快。他把数据驱动控制器分为两种类型,第一种是将已有科技产品改变用途转换成乐器;第二种是把非科技产品做成演奏乐器,再用科技产品跟踪、识别和采集乐器的数据信息。


从红外线传感器、LED手电筒、WiimoteGametrak游戏控制器、Wacom数字画板、iPad、内置传感器的塑料球到无线麦克风等,斯托莱特把自己形容为电子音乐的清道夫,他在构思作品时会到处去发掘和寻找大家已经不用的,或者不是专门为音乐家而做的东西作为演奏时使用的乐器。他用再利用repurposing,对改变用途)一词来形容自己对演奏乐器的选择。篡改原意,是他对自己这种选择的解释,有什么机会和可能用某些个与音乐毫无关联的媒介去传递和呈现声音,让人来控制声音,是他在选择演奏媒介时所引发的对声音的美学思考。同时,这些数据驱动控制器在本质上都是与音乐无关的科技产品,来源于生活中各个领域内的工具。斯托莱特运用创造性思维重新定义了这些科技产品的用途将它们融入音乐创作之中, 使之成为数字信息的载体,让交互电子音乐成为触手可及的艺术形式,体现了生活即艺术的审美观念,实现了呈现声音的新途径。


二、声音映射的新思维


映射一词在交互电子音乐语境中,接近于数据通信领域中的数据映射(data mapping)这一概念 ,其最简单的解释就是:将数字转换成声音。杰弗瑞·斯托莱特认为数据映射的概念是电子音乐的必要元素,特别是对具有实验性和改革性的交互电子音乐来说尤为重要,作曲家和演奏家在实时演奏中总是需要使用数据映射技术来分配数据流,以控制特定的音乐参数。在他的创作中,数据驱动控制器只是作为一种媒介来传递声音,对其应用的整个理论是架构在数据映射的思考方式之上的,真正决定表演与声音融合的关键在于对数据映射的运用。他将数据映射分为两个层面来理解,第一个层面环节与环节的映射——体现在思维;第二个层面是数据与数据的映射——体现在技术。


斯托莱特并未将数据映射局限于技术层面的实践,更多的是将其视为一种思维模式。主要体现在:第一,在表演动作与声音之间建立对应关系。他认为可以将传统作曲技术中的对位法应用在听觉与视觉的结合中,因为声音与表演动作二者之间本身就是一种对位。在实时交互表演过程中,观众通过对演奏者动作和行为的所听、所见,并在此基础上所能理解的才是对音乐整体的感受。因此,他需要在动作数据与声音数据之间建立起数据元素的对应关系,用动作数据来映射” 声音数据。这种映射策略的目的在于如何将表演与声音更好地结合。如图所示。


1  表演与声音的映射关系


第二,在交互音乐技术思维与传统作曲技术思维之间建立对应关系。斯托莱特把交互电子音乐各部分要素之间的逻辑关系比喻成传统作曲技术中的调性关系。例如西方古典音乐作品总是从主调开始,然后通过离调、转调等方式展开,最终再回到主调。而交互电子音乐的调性关系存在于计算机程序、传感器、表演动作与音乐之间的映射,其内部就如调性一般互相映射,互相转换。他用交互音乐技术思维与传统作曲技术思维的协同合作与双向映射实现了超越数据本身的映射概念,使声音在数字技术语言环境中有了新的映射含义。


三、声音表演的新含义


除了作曲家身份外,杰弗瑞·斯托莱特还用演奏家这一称谓来定义自己。他认为:在交互电子音乐创作中,舞台表演具有与音乐同等重要的地位,表演动作与音乐表达一定要相辅相成,在实时演出中运用电影和话剧中的夸张表演更能满足观众的音乐期待。因此,他的每一部作品都是自己表演完成,这种表演不等同于一般实时交互的演奏概念,而是将表演艺术作为创作的元素融入其中。他的表演动作并非即兴式或随机式的发挥,而是经过大量的设计与练习,其目的在于通过表演来传递自身的审美思考、情感经历和艺术感知。他不仅关注舞台表演所带来的意义,对表演的舞台布局和空间布局也十分重视,在每次演出排练之前都要对演出场地的音响条件、灯光效果有所了解,对演出方位和设备的摆放做出详细调整。对斯托莱特而言,表演的意义不仅仅局限于舞台层面,如何通过表演与声音的完美结合,让观众理解音乐的内在含义尤为关键。他的作品之所以享有良好的反响,也要归因于其音乐和表演中所体现出的文化内涵与艺术高度,具体来说有以下三个方面。


第一是文化隐喻。斯托莱特拥有广阔的艺术视野,由文化见解和感悟带来的隐喻几乎在他每一部交互电子音乐作品中都得以体现。如作品《东京速度》展现了日本的城市文化和空手道文化;《光》是为缅怀中国5·12汶川大地震遇难人民而作的作品,用这个最具有希望的词语来隐喻他对人性的关怀;《绳索的仪式》受历史久远的美国西部牛仔的绳索文化启发而作,带有宗教般的神秘力量;《光明无背面》娓娓道来光无向背;虚空无云,明镜无痕;渡过清波,不留小径的佛教禅宗文化;《用手指完成的艺术》是对人类心理活动的思考与表达;《阿瓜迪亚的亨德克里斯》是对美国20世纪中期摇滚音乐文化的全新演绎;《彩球的剧场》是对中国文化神龙见首不见尾的深刻思考……斯托莱特通过音乐与表演来表达自己对生活中某个事物,某个场景的触动,用声音叙事,让观众通过声音与视觉的同步来理解作品的含义。


第二是戏剧张力。斯托莱特创作中的表演带有一定程度上的电影思维元素,他常用张力tension)和极端extreme)两个词汇来形容自己创作中的音乐表现力。其作品中的戏剧张力主要体现在:


1.对声音的选择与塑造。在他的观念中,声音=演员,他对声音的要求总是选择那种可塑性较强,具有张力、发展动力和表现力的。同时他坚持对声音的原创,创作中的声音材料全部来自于采样与合成,且十分注重声音的品质,在这一点上可比拟电影中对人物形象的塑造。


2.对声音的人性化处理。他在创作中对声音进行角色分配,无论是声音的主角还是配角, 都具有自己的个性并且同等重要。没有哪个声音材料是只呈现一次的,每个声音都是会随着音乐结构的发展连续性地进行展开。他的作品在音乐发展上总是在寻找从一个极致到另一个极致的过渡,就好像人复杂的情绪变化。


第三是音乐的仪式感。斯托莱特认为在音乐表演中,除了物理动作之外还有很多视觉因素可以影响观众的理解,其中很重要的一点就是音乐的仪式感。他认为世间的所有情感都是一种仪式,关键在于如何去表达。通过仪式化的音乐去表达情绪和抒发情感,可以加深观众对作品深层含义的理解与体会。斯托莱特在表演中会用某些仪式化的元素向观众传递自己对不同文化的审美意识,以及自己对音乐、对艺术创作的态度和敬意。


杰弗瑞·斯托莱特的创作是一种时代语言的融合,其作品呈现的是一种集音乐、科技和表演为一体的综合艺术。他将技术层面的数据映射转化为艺术层面的思维映射,将自身的审美追求和艺术感悟融入创作中。同时,他努力在技术与艺术之间寻找平衡,用数字化技术解读音乐中的人性化特征,用声音艺术呈现时代中的科技魅力,形成独树一帜的交互电子音乐语言。


创新,是时代进步的永恒主题。作为艺术创新思维的产物之一,交互电子音乐用科技去创造属于我们这个时代的艺术,用音乐来解读我们这个时代的文化与思想。在杰弗瑞·斯托莱特的概念中,创新并不等于发明,而是指将已知的事物、已有的技术资源重新组合,找出交互电子音乐新的性质、功能、结构等等,发掘属于我们这个时代的音乐语汇是斯托莱特一直关注和思考的问题。他曾提出如果未来的人们在回顾我们这个时代的音乐时会有怎样的评论呢?我想最悲哀的答案就是未来的人们会说:这个时代糟透了,因为他们没有属于自己的音乐语言。他认为,每一个时代的作曲家都应该自发地对这个时代的音乐产生责任感和使命感。交互电子音乐之所以重要是因为它是属于我们这个时代的艺术,而我们这个时代的作曲家应该与科技二字紧密相连,利用科技发现新的作曲方式和音乐形式才是创作的重中之重。


交互电子音乐是生存于计算机文化现象中的艺术形式,依托计算机技术及理论对音乐进行实验和探索,通过计算机艺术呈现音乐文化观念。这一独特的创造音乐的方法对于我们来说意义重大,它在很大程度上定义了并且向人类后代展示了我们是谁,我们如何思考和认知音乐。在新的数字技术平台上,艺术与科学的界限将会越来越模糊, 交互电子音乐的无限潜能还有待作曲家发挥更多的想象力,付诸更多的实践去开发和探索,去创造没有做不到,只有想不到的音乐艺术。



原文刊录于《现代音响技术》2016年第二期


《现代音响技术》2016年第二期封面及目录





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